Por primera vez me encuentro trabajando para un cliente de los denominados ” de los grandes” (Microsoft): en este caso involucrado desde una posición secundaria en un proyecto conjunto: desde el departamento de diseño de otra empresa afín. Y hay algunos puntos que quería plantearlos aquí para recordame la experiencia y quizás les sea útil a alguien a la hora de encontrarse en una situación parecida.

¿Cómo es trabajar para ellos? ¿Consejos?

Más allá que he aprendido mucho en este poco tiempo, me he dado cuenta que los veo exactamente igual (salvando algunas distancias) que un pequeño cliente o empresa que tengo como cliente. La forma de trabajo no ha variado mucho con respecto a la modalidad, las mismas estructuras, respetar ciertos “guidelines” y conceptos.

Prestar mucha atención para escuchar y analizar sus conceptos y objetivos tratando de leer entre líneas y separar el  contenido que yo llamo puramente “evángélico” del contenido que hace comprender el espíritu de la compañía o los objetivos del proyecto .

De la misma manera que se desarrolla para otras empresas, aquí también hay que trabajar  en tiempo record y muchas horas para llegar a los deadlines y tiempos de entrega porque la planificación es compleja y eso resta tiempo de preparación y producción.

Lo único que he notado de manera negativa es la mayor saturación de personas por las cuales pasa todo el proceso, poca agilidad en algunas articulaciones y burocracia embebida porque cada una de estas personas deja su visión personal (sus gustos) y el resultado se vá alejando progresivamente del resultado óptimo y del brief: un diseño a la medida del usuario final.

Muchos años trabajando creando marcas y mejorando otras también hace que uno trabaje para marcas más establecidas, diseñadas y desarrolladas por terceros. Cada vez que nos encontramos con esta tercera opción tenemos el gran problema de conseguir el isologotipo de la marca en un formato que nos permita trabajar tranquilo.

A veces parece que la empresa no les interesa tener bien ordenado su isologotipo, o que los anteriores diseñadores o estudio que trabajó con esa empresa nos quiere sabotear nuestro trabajo… o simplemente suponen que como diseñadores debemos tenerlo todo o saberlo hacer desde cero.
Lo mejor es tener la marca en un formato vectorizado: .AI, .EPS, FH, .SVG e incluso .DXF o .WMF que nos permita una gran versatibilidad a la hora de escalar, modificar y aplicar la marca en diferentes soportes y con distintas tecnologías de impresión . Porque la versatibilidad de la marca debe ser máxima, en estos tiempos puedes estar aplicándola con láser, con serigrafía, con tintas, corpóreas y más formas que uno a veces ni se imagina. Incluso las marcas “Web” o para medios digitales deben poder ser aplicadas en papelería comercial, cartelería y proyecciones; por ejemplo.
Por otro lado, a lo largo del tiempo y la sucesión de proyectos… uno va “juntando” y colectando una gran cantidad de estas marcas.
Estas dos causas se reúnen para una tercera: crear un sitio donde publicar en formato vector todas esas cosas que uno s va encontrando por ahí. El proyecto LOGONAUTA es simple y claro: un sitio donde ordenar y publicar en formato vector logo marcas que le posibiliten a otros profesionales trabajar sin gran pérdida de tiempo, sin gastar horas redibujando una marca, un isologotipo y concentrarse en la creatividad y en la pieza gráfica.

Desde LOGONAUTA se irán publicando en la medida que el tiempo lo disponga todas las marcas posibles siempre controlando que sean originales y de una calidad que permita afrontar trabajos profesionales. Espero que voten, participen con comentarios, críticas sobre cómo mejorar y les sean útiles en su trabajo diario…

Hoy en día el diseño de logotipos se encuentra devaluado. La gente no entiende la importancia de realizar un buen logotipo y lo valioso que es para su negocio.

En este artículo voy a describir los caminos que usted NO debe tomar para obtener un diseño de su logotipo, y si los estudios de diseño son realmente serios.

¿Qué es un logotipo?

Para entender como aplicar un logotipo , primero debeis saber qué es un logotipo. El diseño de un logotipo está destinado al reconocimiento inmediato del mismo, a inspirar confianza, admiración, lealtad y una superioridad implícita. El logo es un aspecto fundamental  de una empresa comercial o entidad económica, sus formas, colores, fuentes tipográficas, imágenes por lo general son diferentes de otras empresas u organizaciones en el mismo mercado. También se utilizan para identificar las organizaciones y otras entidades no comerciales.

Me pregunto por qué algunos no tienen logotipo o la razón por la que se molestan en utilizar un logotipo económico, si un logotipo significa demasiadas cosas.

Concursos de Diseño de Logotipos

Lo peor que usted podría hacer, probablemente sería diseñar su marca por medio de un concurso. Los concursos de logotipos son proyectos donde usted proporciona una breve descripción de su empresa y luego recibe varios ejemplos y bocetos de diferentes diseñadores . Aunque esto suena como una buena idea, por lo general la calidad y significado dista mucho de lo que realmente quiera representar de su empresa.

A largo plazo usted estará gastando su dinero en términos drásticos para su negocio, cantidades que podrían ser considerables.
Por otra parte, los concursos de diseño y estos diseñadores, están dañando la industria del diseño,  como diseñadores no tienen que invertir tiempo y recursos sin ninguna garantía de pago.

Demasiado bueno para ser ofertas reales

Si usted hace una búsqueda sobre “diseño de marca”, en google se encuentran muchas empresas que ofrecen diseños de logotipo muy baratos y a precios increíbles. Esas ofertas suelen ser: “5 diseños por 5 diseñadores!” O “6 logotipos de 5 diseñadores por sólo $ 200″ – Aléjate!

Estas ofertas son muy decepcionantes y la calidad está lejos de ser satisfactoria. ¿Alguna vez se preguntó cuán efectivo será su diseño de marca? Los diseñadores profesionales tienen un estricto proceso de diseño del logotipo que puede llevar semanas o meses en algunos casos, para completar un logotipo. Ellos pueden ofrecer un resultado en 24 horas o incluso menos, no pensando que se coloca en su diseño del logotipo.

Imágenes de stock

Algunos llamados “diseñadores” (por lo general, las mismas personas que están en los concursos), roban las imágenes de sitios de stock para diseñar su logotipo … o, en algunos casos, los dueños de empresas descargan y utilizan las imágenes ellos mismos. Este es un gran No-No. ¿Sabía usted que las imágenes de stock son descargadas por miles de personas? Esto debería ser razón suficiente para no utilizar éstas imágenes en su logotipo.
Si lo hace, otras personas tendrán acceso a su logotipo y al diseño y se puede utilizar en lugares que pueden devaluar la imagen de su negocio. Asegúrese de que su logotipo sea original.

Diseñe su propia marca

Estrechamente vinculado a las personas que utilizan imágenes de stock tenemos a los dueños de negocios, personas que quieren un logotipo y tratan de hacerlo ellos mismos. Lo recomiendo en contra de este, aunque le sugiero que deje el diseño a un profesional, como usted deja su trabajo dental a un dentista

Diseñadores de logos gratuitos

Va a encontrar muchos diseñadores de logos gratuitos en la web. No sólo hacen estos logotipos poco profesionales, sino que también cientos de otras personas podrían tener el mismo logotipo que usted, y cuál es el punto de esto? Estos logotipos no tienen pensamiento, concepto o pregnancia sobre ellos, éstos no son más que símbolos.
No dicen nada acerca de su empresa y no hacer nada que un logotipo que se supone que haga … repito, mantengase alejado de los diseñadores de logotipo gratuitos.

Obtención de un diseño Sin Comentarios

Antes de aprobar y aplicar un diseño, asegurarse de que obtiene información de sus clientes, compañeros, y las partes interesadas. Obtener información en un diseño es una parte crucial del proceso de diseño de logotipo, ya que garantiza que su logotipo va a tener éxito.

Fijese en los diseños arriba señalados, poseen sentido fálico. Me pregunto si los responsables de crearlas se dieron cuenta que sus logotipos tenían significado oculto? Asegúrese de que no resulte así y de obtener un logotipo diseñado profesionalmente.

¿Cuál es el costo de diseñar un logotipo profesional?

El costo para realizar una marca con un profesional, es una cuestión que no puede responderse fácilmente, ya que cada empresa tiene necesidades diferentes, sin embargo, la mejor manera de abordar este problema es elaborar un presupuesto personalizado para cada individuo.

Hay una serie de factores que deben tenerse en cuenta al diseñar un logotipo, como la cantidad de conceptos que deben ser representados, el número de revisiones que se necesitan, cuánto se necesita de investigación, el tamaño de la empresa y así sucesivamente.

Para concluir, me gustaría citar una comparación por David Airey: Comparando la industria del diseño a cualquier otro no es exacta, pero, “¿Cuánto cuesta un logo?” Este tipo de pregunta es como preguntarle a un agente inmobiliario, “¿Cuánto cuesta una casa?”.

Descargo de responsabilidad: Este artículo fue escrito exclusivamente para WDD por Jacob Cass y refleja su opinión personal sobre el diseño del logo. No refleja necesariamente la opinión de WDD sobre el tema. Jacob es un diseñador profesional de logotipos que dirige el popular blog Simplemente Diseño Creativo.

Este artículo es una adaptación y traducción de: How not to design a Logo by Webdesigner Depot

Muchas veces mientras diseñamos textos nos encontramos probando muchas fuentes tipográficas hasta encontrar la correcta para la ocasión (en mi caso miles en mi catálogo) y siempre se recurren a programas o aplicaciones instaladas en nuestro ordenador para hacerlo. Ahora eso ya no es necesario, porque mediante un sitio web llamado http://flippingtypical.com podemos probar y ver nuestro título o texto en las fuentes que tengamos instaladas.

Cada tipografía del sistema tiene un largo único en pixels que es identificado por el javascript

El sistema para “saber” que tipografías tenemos en el sistema es muy ingenioso y para nada peligroso para nuestras fuentes instaladas: ejecuta un javascript que compara mediante el ancho en píxels diferentes cadenas de textos que dan medidas únicas para cada tipografía. De esa manera reconoce el tipo de fuente instalada y la previsualiza. El sistema utilizado puede consultarse aquí y es la idea base de la aplicación web.

Realizar un sitio web creíble es fundamental para que las marcas tengan un lugar donde expresar sus productos, servicios y servir de nexo entre los usuarios y la organización. La gente de la Universidad de Stanford ha creado una pequeña guía con consejos sobre que cosas debe tener un sitio para ganarse la confianza del público. Estos diez puntos los he ampliado un poco con una frase para explicar a que se refieren según mi interpretación.

1. Hacer que sea fácil de verificar la exactitud de la información del sitio. Esto significaría mostrar fuentes de los artículos, referencias de autores y contenidos con sus respectivos nexos que permitan a un usuario poder seguir navegando, investigando y profundizando los temas.
2. Mostrar que hay una verdadera organización detrás del sitio. Más allá de mostrar nombres y puestos (que es importante) es más relevante generar secciones, estilos y contenidos bien revisados que denoten que hay un equipo de trabajo haciendo lo suyo.
3. Destacar la experiencia de la organización y los contenidos y servicios que se proveen. Un buen brief y un buen estilo que permitan enfocarse en lo que es más importante para su marca y organización. Destacar lo que el usuario busca de usted, no lo que usted cree que es más importante de su marca.
4. Mostrar que detrás del sitio hay personas honestas y dignas de confianza. El tono y los mensajes deben desacartonarse, dejar de ser frios y distantes. Haciendolos cálidos, con estilo y con promesas que se puedan cumplir.
5. Que sea fácil ponerse en contacto con usted. No sólo a través de una sección con un formulario de contacto sino con la posibilidad de interacturar, comentar y participar. También sería interesante que el usuario pueda poner en contacto su sitio con sitios sociales u otros potenciales clientes.
6. Diseñar el sitio de manera que se vea profesional (o apropiado al propósito del mismo). Un diseño profesional y coherente le dá al usuario un golpe visual de confianza, es lo primero que resuelve y despues va a por la usabilidad y los contenidos del sitio.
7. Hacerlo fácil de usar — y útil. Concentrarse en el uso y la lectura del sitio desde el punto de vista del público es muy importante para ahorrar pasos y no hacer perder al usuario en la cantidad de información y secciones que se ofrecen.
8. Actualizar el contenido del sitio a menudo (al menos mostrar que la información ha sido revisada recientemente). Un sitio estático tiene que tener al menos un blog o sección de actualización periódica de la información. Si no es así, lo importante es revisar los contenidos y agregar una fecha reciente de revisión de la misma.
9. Hacer un uso restrictivo de cualquier material promocional (por ejemplo, publicidad, ofertas). No llenar el sitio con carteles de publicidad o de ofertas, saturarlos de esto hará huir despavorido al usuario o por lo menos a confundirlo bastante.
10. Evitar errores de todo tipo, no importa lo pequeños que sean los mismos. Releer y verificar la información, esto permitirá mostrar profesionalidad y confianza de los usuarios. Un error tipográfico en un libro o una revista nos cae mal, en un sitio también.

La Guía en Inglés

Stanford Guidelines For Website Credibility

1. Make it easy to verify the accuracy of the information on your site.
2. Show that there’s a real organization behind your site.
3. Highlight the expertise in your organization and in the content and services you provide.
4. Show that honest and trustworthy people stand behind your site.
5. Make it easy to contact you.
6. Design your site so it looks professional (or is appropriate for your purpose).
7. Make your site easy to use — and useful.
8. Update your site’s content often (at least show it’s been reviewed recently).
9. Use restraint with any promotional content (e.g., ads, offers).
10. Avoid errors of all types, no matter how small they seem.

Fuente: Vladimir Petrovac y Universidad de Stanford

Sabías que hay al menos 18 versiones o interpretaciones oficiales de esta tipografía. Y que en mayor o menor medida intentan inspirarse en los tallados originales de Claude Garamond. Este maestro de la tipografía permitió dar un paso muy importante al diseño tipográfico al  desarrollar una fuente basada en las Romanas capitales (para las mayúsculas) y en la evolución de las Venecianas para las minúsculas. Un estilo que creo toda una clasificación dentro de las tipografías: las Garaldas (de la contracción entre Claude Garamond y Aldo Manuzio).  También se las conoce como Antiguas, Barrocas, Elzevirianas y como Old Style en EUA y Old Face en Reino Unido.

Gran parte de las tipografías más populares actualmente tienen una gran familiaridad con Garamond: como Aldus, Galliard, Goudy, Plantin, Minion, Palatino y Sabon.

Fuente del dato: Educación Tipográfica, una introducción a la tipografía; Francisco Gálvez Pizarro

Pepsi rediseña y aunque en muchos lugares lo muestran como una gran modificación atrevida y novedosa para esta marca no lo es tan así. Pepsi se ha acostumbrado a cambiar de manera atrevida a lo largo de su larga historia.

La diferencia esencial entre Pepsi y Coca-Cola son sus públicos destinos, sus targets. Coca-Cola apuesta por una imagen que permita ingresar a su producto en el ámbito familiar: más conservador, tradicional (aquí viene el tema de Coca-Cola y la navidad que hasta algunos dicen que reinventó, yo opinó que solamente la adaptó a sus fines) y también en sus colores/morfología que son mantenidas casi sin cambios a través de más de 100 años de historia: sus modificaciones son mínimas y mayormente realizadas para llamar la atención.

En cambio Pepsi siempre ha sido el sabor de la nueva generación, de esa generación que aún no ha “tomado el poder”, que todavía adolece de ciertas herramientas para estar “completa”, lo que comunmente denominamos la adolescencia. Por ese motivo Pepsi ha tenido que ir mutando y manteniendose en la cresta de la ola en cuanto a imagen y mensajes, esta imagen ha tenido muchos matices pero desde que la adolescencia es tal (un invento que se originó a partir de los años 50) ha sido rebelde e innovadora en cada una de sus formas y presentaciones.

En este video se puede observar facilmente como ha ido cambiando y adaptandose graficamente esta marca a cada tiempo no solo en lo que respecta a su isologotipo sino en envases y slogans.

En este video, si bien es en tono de broma, veremos cómo se producen estas situaciones y como muchas veces por “seguir” los consejos u opiniones del cliente hasta ciertos puntos no hace más que arruinar nuestros resultados. La graciosa situación que se plantea en el video es la siguiente: ¿Qué sucedería si una gran empresa o corporación decide desarrollar/diseñar el signo de STOP (parar)? Suponiendo que aún no se hubiese inventado. Se los recomiendo porque están plasmadas la mayor parte de las situaciones que uno vive en el diseño: desde implicar opiniones de los hijos, hermanas y familiares del cliente, hasta la lucha por “aparecer” en lugares donde no hacen más que ruido, etc, etc…

Vía: NotasD

Si bien en logopond no se muestran las aplicaciones de los logos, que és donde se “ve” realmente como funcionan (desde nuestro punto de vista) y esto posibilita que uno, al no entender la temática o el destino del logo lo vote o critique sin conocer su trasfondo.

En este caso nos han seleccionado un logo que por su calidad , la comunidad considera ponerlo en portada y esto nos ha puesto contento, ya que es bueno ser reconocido.

Me fué grato encontrar este texto que transcribo a continuación en su inicio y que es un buen complemento y apunte a lo desarrollado en la clase de Problemática de la Cultura Nacional el día 6 de Mayo.

El diseño gráfico como toda práctica cultural es una práctica significante que tiene, entre otras características, la voluntad explícita de comunicar. Esta declaración de intención lo coloca en una relación particular y conflictiva con el complejo espacio de la comunicación contemporánea. Es una voz pública. Presta su decir a políticos, religiosos, empresarios, educadores. Es una voz que circula por distintos medios: en la calle, en los vehículos, en las revistas, en los diarios, en la TV, en Internet. Casi todo el territorio de la visualidad contemporánea tiene un lugar para el diseño gráfico.

Dueño de este territorio – como dicen algunos – ‘cubre’ todas las necesidades de comunicación visual’ de la sociedad. Entendido como acto intencional con voluntad de influir y provocar conductas específicas en el receptor, el diseño gráfico ocupa con sus producciones espacios tan variados como los que organizan nuestros modos de lectura, los de la información visual que recibimos para orientarnos o los de la operatoria persuasiva que se monta para estimular nuestra opinión, nuestra elección y nuestro consumo.

En este sentido, tienen razón los que dicen que cubre todas las necesidades sociales de comunicación visual. El problema se plantea cuando intentamos dar contenido a la expresión “necesidades sociales”. De hecho, no existe ninguna homogeneidad entre lo que cada uno considera “necesidad social”. ¿Es acaso este afiche de Diesel, de Heineken, de Adidas una necesidad social? Obviamente sí, respondo – a riesgo de escandalizar – si lo formulamos de la siguiente manera: para las leyes del mercado capitalista, la existencia de la publicidad y del diseño gráfico publicitario son imprescindibles como medios de cubrir la necesidad de compra-venta, incorporando el necesario plus simbólico que diferencie y personalice los objetos, para asegurar el equilibrio de las leyes de oferta y demanda y, aún más, para asegurar con la producción, el ‘pleno” empleo.

¿No es una necesidad social el desarrollo empresarial y de servicios ya que de él depende, entre otras cosas, el ingreso per capita, el PB interno, la balanza de pagos, el índice de importación-exportación? Y aún más, el barrio privado, vallado, que, casualmente crece al lado de la villa miseria, ¿no está planteado acaso para cubrir la ‘necesidad social’ de la seguridad? ¿Y no tiene intervención en esto el diseño gráfico?

Las necesidades sociales son entelequias, eufemismos, abstracciones creadas por los grupos de poder para esconder su verdad constitutiva: hay tantas necesidades sociales como clases y sectores y éstas suelen tener intereses antagónicos entre sí.

Si como bien (o mal) se dice, el diseño gráfico cubre todas las necesidades de comunicación visual, resulta evidente que puede estar al servicio de cualquier grupo, de cualquier sector, cualquier idea. No se trata aquí de pensar en términos de diseño bueno o malo; se trata de adoptar frente a la disciplina una actitud alejada de la hipocresía, alejada de la euforia tecnocrática, alejada de la ‘asepsia social’ enarbolada en nombre de una supuesta identidad de necesidades pero también, una mirada escéptica respecto de los mesianismos que, alguna vez se adjudicaron al diseño. En otras palabras, se trata de una actitud que enfoque la cuestión desde otro punto de vista, pensando un lugar distinto para esta disciplina que, nacida bajo ideales de igualdad y de enfrentamiento a la masificación tecnológica aparece, en muchas de sus versiones, sometida a los dictados del consumo y el mercado.

Les dejo el link al libro por si les interesa conocer su contenido / o comprarlo

* María Ledesma es profesora titular de Comunicación I y II en la carrera de Diseño Gráfico de la UBA, en la carrera de Comunicación Social en la Universidad de Entre Rios, en la carrera de multimedios en la Universidad Maimónides y en maestrías y posgrados de distintas universidades… entre otras muchas actividades y menciones.

Si bien esto es algo que digo yo, la infografía es una faceta del diseño de información que me apasiona y que, cuando pueda, podré concentrarme en ella para dedicarle tiempo y esfuerzo como se merece.

Y si quieren saber el esfuerzo que insume realizar una, vean este espectacular video donde un diseñador realiza una infografía para Vimeo, donde se condensa el trabajo al tomarse una captura de pantalla cada 5 segundos, el trabajo total insumió más de 40 horas frente al ordenador, sin contar el desarrollo conceptual, bocetos y adaptación para imprenta que según nos dicen tomo igual cantidad de tiempo…

En 1976, Steve Wozniak y Steve Jobs (“los dos Steves”) diseñaron y construyeron de manera artesanal una computadora, la Apple I. Como por ese tiempo Wozniak trabajaba para Hewlett Packard fue allí donde la ofrecieron para comercializarla, pero no tuvieron suerte. Los dos Steves tuvieron que comenzar a vender sus preciadas poseciones para continuar con el proyecto (Wozniak vendió su amada calculadora programable HP y Jobs vendio su kombi Wolkswagen) y de esta manera poder construir las motherboards Apple I.

En ese mismo año, Wozniak creo la siguiente generación de máquinas: el prototipo de Apple II. Ellos lo ofrecieron a Commodore, pero otra vez fueron rechazados. Pero las cosas comenzaron a mejorar para Apple, y la compañia comenzó a ganar clientes con sus computadoras.

El primer isologotipo de Apple fué una compleja gráfica ilustrada de Isaac Newton sentado debajo de un arbol de manzanas. La inscripción que acompañaba la imagen decía: ” Newton… A Mind Forever Voyaging Through Strange Seas of Thought… Alone.” Y fué diseñado por Ronald Wayne, quien conjuntamente con Wozniak y Jobs fue uno de los socios fundadores de Apple por un corto tiempo. En 1976, luego de trabajar solamente dos semanas en Apple, Wayne liquidó sus acciones (10% de la compañia) por un pago de 800 dólares porque pensaba que Apple era un emprendimiento muy riesgoso! (Si se hubiese quedado en la empresa, esos 10% equivaldrían al día de hoy a cientos de millones de dólares)

Jobs pensaba que el sumamente complejo logo tenia algo que ver con las bajas ventas de la Apple I, así que encargó a Rob Janoff de la agencia de diseño Regis McKenna el desarrollo de uno nuevo. Janoff desarrolló un ícono de una manzana con tiras de colores (como el arco iris) que Apple utilizó desde ese momento (1976) hasta el año 1999.

Se rumorea que la “mordida” en el logo de Apple fué una idea concebida para homenajear a Alan Turing, el padre de la moderna ciencia de la computación quién se suicidó comiendo una manzana envenenada con cianuro. De cualquier manera, Janoff en una entrevista dijo que pensó que era ingenioso el juego de palabras “Byte/Bite” (Bite: mordida) y el slogan de Apple durante un tiempo fue “Byte into an Apple”. el diseño el logo de esta manera para “prevenir que la manzana se confundieze morfologicamente con un tomate cherry” (fuente)

En 1998, supuestamente por insistencia de Jobs, quien había retornado para dirigir a la compañia, Apple reemplazó el logo con tiras de arco iris (uno de los logos más caros en cuanto a su aplicación diseñados, según los dichos de uno de los presidentes de Apple Mike Scott) con un aspecto más moderno, simplificando la situación por un logo monocromo.

En este caso son 253 imágenes a 300dpi de diversos productos y soportes de marca para probar y editar los mismos con nuestras pruebas de branding. Cómo dirán el 90% de quienes encuentren este recurso “Cómo no lo tuve antes, con lo que me rompí la cabeza haciendo todo a mano!“… pero bueno, siempre se puede seguir ahorrando tiempo y además, eso que se hizo sirvió para aprender a manejar las herramientas y desarrollar el criterio.

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Vía Diego Mattei Blog

“¿Por qué será que cuando alguien triunfa en algo determinado cree que lo sabe todo?“

Grand Canyon (1991)

En estos días se ha lanzado en argentina un nuevo diario denominado “Crítica de la argentina” promovido y dirigido por Jorge Lanata, un periodista que admiro en muchos temas. Pero que en este caso consideré a pesar de que me tilde de “boludo” de realizar una crítica a la labor que está llevando con este diario. Por supuesto que esta “crítica” o análisis lo voy a realizar desde mi punto de vista profesional, intentando no meterme mucho en otros ámbitos que no manejo y dando por sentado que, desde ya, es mi opinión.

En este proyecto del diario hay un problema con don Mitr…, digo Jorge Lanata, y es que supone conocer todos los rincones de la edición del mismo, es cierto que su larga experiencia en el periodismo y la redacción le dan una autoridad que muy pocos tienen en Argentina, pero desconoce o me parece a mi, el tema del diseño y diagramación visual de una publicación de este estilo.

Es una lástima que tan buenos contenidos estén en tan mal continente, con la misma preocupación con la que se desarrollan los artículos periodísticos, debiérase tratar al soporte y darle un valor agregado. Un valor que casi todos, sino TODOS los diarios del mundo están dando a sus lectores

La maquetación y contenidos

En el diario en su versión en papel se puede observar a simple vista que no se le da importancia a la maquetación (digamos nula), a la edición y puesta en página de la información. Se la tira sin mucho estudio, ni siquiera se recortan bien las imágenes y mucho menos se le da calidad o presentan infografías…

El recorte de imágenes y adaptación de las mismas es realmente pésimo, en un diario los tiempos son muy acotados pero un departamento de diseño debiera poder encargarse de esta tarea.

Tipografías

En cuanto a la tipografía, muchas publicaciones desarrollan o adaptan fuentes tipográficas para no sólo darle contenido y estilo a la información (identidad) sino para posibilitar una mejor lectura y aprovechar la tecnología de impresión mejorando los costos y resoluciones. Supongamos una fuente tipográfica adaptada a comportarse de buena manera y económica sobre un papel de baja calidad (como es en general el soporte de un diario) y permitir una ágil lectura.

Logo e Identidad

Con un nombre en guerra declarada por la marca con sus dueños originarios: el diario Crítica fundado por Botana y realizado con una tipografía sin modificar que se encuentra de manera gratuita para descargar en Internet, nos encontramos con una logo marca de poca capacidad de trabajo.

Entre sus puntos débiles de la marca tenemos la poca personalidad de la misma al utilizar esos recursos para llevarla a cabo, incluso “copia” o reutiliza a la mosca del logotipo original del diario Crítica, que sigue saliendo a la calle.

Siguiendo con el logo, la utilización de una tipografía Sans Serif y de poco espesor, no sólo otorga problemas de aplicación, poco impacto visual y legibilidad en los puestos de diario, en el papel y en la publicidad/cartelería que se produzca, siendo “débil” e “insípida” por no utilizar más recursos para reforzar o dar identidad a la misma, incluso llevando dentro de su construcción el nombre de su promotor como si prócer o mítico fuese… todavía falta.

Suponiendo desde ya que un diario utiliza por tradición tipografías serif o góticas para denotar antigüedad y seriedad en el desarrollo de su logotipo… aunque no es una generalidad tiene un motivo y es favorecer la credibilidad del medio.

Esto es muy perjudicial para un diario que comienza su vida en el 2008, donde la tecnología de edición y el conocimiento en diseño posibilitan con pocos recursos obtener resultados de calidad y donde estos temas no son problemas sino parte del paradigma de la publicación hasta en los diarios más chicos, locales y con menor tirada.

Conclusión

Es una lástima que se desaprovechen todas estas cuestiones y se aprovechen tan bien otras, como por ejemplo, la parte digital y de medios televisivos. Es un diario aún muy joven, con poco más de una semana de vida y por eso esta crítica debiera ser constructiva para mejorar el diario en esta etapa para consolidarlo y posicionarlo frente a la competencia, que está muy polarizada y es muy dura.

Demos un vistazo al origen de los logos de las compañías de tecnología más famosas y como evolucionaron con el tiempo:

Adobe Systems Inc.

En 1982, los programadores cuarentones John Warnock y Charles Geschke renuncian a su trabajo en Seros y comienzan una nueva compañía de software. La denominan Adobe (pagerank 10) en honor a un pequeño arroyo que corría detrás de la casa de Warnock. Su primer objetivo fue concentrarse en la creación de PostScript, un lenguaje de programación usado en el área de diseño gráfico e impresión.
Cuando Adobe era joven, Warnock y Geschke hicieron todo lo posible para ahorrar dinero. Incluso involucraron y pidieron ayuda a los familiares para diversas cuestiones: el octogenario padre de Geschke les barnizo y tiño las maderas de las estanterías para la oficina, y la mujer de Warnock diseño el primer logo de Adobe.

En esta dirección del sitio de Adobe, podrán ver videos sobre la historia de Adobe en sus 25 aniversario y otros datos interesantes sobre la empresa que ha marcado el diseño en estos años…

Extra

En este video podrán ver en funcionamiento a la primera versión de Adobe Illustrator de 1987 presentada por uno de los socios fundadores John Warnock, y se trataba de un video en VHS de una hora de duración de demostración de este excelente producto. Aquí podrán disfrutar aproximadamente unos 8 minutos de ese histórico video:

Pinche aquí para ver el vídeo

Historia (fuente Wikipedia)

A finales de los años 80, después de que el Postscript comenzara a popularizarse, Adobe lanzó al mercado Adobe Illustrator, que pronto se convirtió en uno de los programas indispensables para los profesionales gráficos. A principios de los 90, salió la primera versión de Photoshop que eventualmente sería uno de los programas insignia de la empresa y uno de sus productos más vendidos.

Acrobat y el formato PDF tardaron en encontrar su lugar en el mercado, pero a medida que las aplicaciones iban integrándose más las ventajas del PDF se fueron haciendo más evidentes y actualmente es el estándar en lo que a intercambio de documentos digitales respecta.

Adobe no había conseguido desarrollar una aplicación DTP, y por lo tanto adquirió Aldus en 1994, que producía Pagemaker, para competir con QuarkXPress, pero esto no fue suficiente y en 1999 fue presentado InDesign, que progresivamente ha ido ocupando lugares antes exclusivos de Quark, aunque aun no supera su market share.

El año 2005, Adobe compró Macromedia, conocida empresa de software distribuidora de los programas Flash, Dreamweaver, Director, Fireworks, y Freehand entre otros por 3.400 millones de dólares (2.623 millones de euros) en acciones. Según Adobe, la combinación de ambas empresas potenciará la compatibilidad entre sus productos como, por ejemplo, PDF y Flash.

Mediante esta compra, los planes de Adobe pasan por intentar potenciar el desarrollo y la colaboración entre sus tecnologías, muy extendidas sobre todo en la Red. Los accionistas de Macromedia recibirán 0,69 acciones de Adobe en un intercambio libre de impuestos, lo que supone un precio de 41,86 dólares por cada acción según la cotización de finales del 2006 y una prima del 25%. Los accionistas de Macromedia controlarán aproximadamente el 18% del grupo resultante. El consejero delegado de Adobe, Bruce Chizen, que mantendrá su cargo en el nuevo grupo, subrayó que los clientes están demandando aplicaciones de ‘software’ integradas que les permitan crear, gestionar y suministrar un amplio rango de contenidos y aplicaciones, y que la combinación de ambas compañías, junto a la “funcionalidad complementaria” de PDF y Flash, dará a Adobe “la oportunidad de dar vida a esta visión con una plataforma tecnológica con capacidad para definir la industria”. El presidente y director ejecutivo de Adobe, Shantanu Narayen, mantendrá su cargo, y el presidente y consejero delegado de Macromedia, Stephen Elop, pasará a formar parte del grupo como presidente mundial de operaciones.

Un dato histórico curioso es que Adobe adquiere su nombre gracias al rio Adobe un rio californiano que se encuentra cerca a la casa de uno de sus creadores John Warnock.

La evolución de los logos de las compañías de tecnología está basado en el artículo “The evolution of techs company’s logos de Neatorama” y va a publicarse en forma seriada en los siguientes días. Intentando en algunos casos ampliar la información y dividirlas en secciones para cada empresa.

La empresa originalmente llamada “Gebrüder Dassler Schuhfabrik” fue fundada por Adolf Dassler (Adi), en los comienzos de la década de 1920 junto con la ayuda de su hermano Rudolf Dassler, quien por diferencias personales con Adolf Dassler fundó PUMA AG en 1948. En aquellos tiempos era prácticamente imposible augurar que Adidas se convertiría en unode los gigantes de material deportivo del siglo.Como consecuencia de lo anterior, Adolf Dassler tomó el control de la empresa y decidió rebautizar la firma como “adidas”, la cual fue registrada legalmente el 18 de agosto de 1949, bajo el nombre de adidas AG. El nombre de la empresa procede del nombre de su fundador, “Adi” es el diminutivo de Adolf, y “das” la primera sílaba del apellido».
En la década de 1950 Adidas era ya una marca conocida en Alemania pero el empujón a nivel mundial lo consiguió en el mundial de fútbol de 1954 cuando la selección de Alemania jugó la final con botas Adidas, esto permitió que todo el mundo conociera Adidas.
A partir de ese momento, Adolf Dassler tuvo como prioridad el que su firma llevara la batuta a través de una estrecha relación con el mundo deportivo en sus variadas disciplinas con el objetivo de desarrollar mejores productos; al mismo tiempo fue pionero en usar a las máximas estrellas deportivas para publicitar sus productos. Entre los deportitas conocidos de la época se encontraban figuras como Muhammed Ali o Jesse Owens.Junto a su hijo Horst, logró crear un imperio que tuvo su apogeo hasta finales de los 80.
Desde entonces, sucesivas etapas han hecho de Adidas una empresa que pasara por rachas malas y rachas buenas, en clara competencia con otras marcas y consigo misma.
La base fundamental del logotipo de Adidas desde el año de 1949 son las tres barras y han conformado parte integral de todos los logotipos durante la historia de la empresa

El logo trefoil (trebol) de Adidas fue incorporado como imagen corporativa en el año de 1972, y este representa la herencia y la historia de la marca y desde el año de 1996, se decidido que el trefoil sería utilizado solamente en productos clásicos de la marca.
En el año de 1996, las tres barras de Adidas se convertirán en el logo corporativo de Adidas a nivel mundial, esta marca registrada se ha convertido en el sinónimo de Adidas y su dedicación a producir productos de alta calidad para atletas, actualmente este logotipo es usado en toda la imagen publictaria de la empresa en el mundo entero.

Desde Tipografía, hasta diseño Web, tenemos un pantallazo de los núcleos conceptuales de cada materia. Cada una tiene un vasto campo donde se desarrolla pero siempre es bueno tener las bases bien “fundadas”. Gracias a Rude por el publicar este interesante link

Le recomiendo el excelente artículo de Unos Tipos Duros, donde nos introduce a la vida y obra de este diseñador gráfico que marcó toda una época en el diseño moderno.

La wikipedia nos cuenta que:

Paul Rand, (nacido como Peretz Rosenbaum, 15 de Agosto de 1914 – 26 de Noviembre de 1996). Fue un diseñador gráfico estadounidense muy reconocido, en gran parte por el diseño de marcas institucionales. Su educación incluye el Pratt Institute (1929-1932), el Parsons School of Design (1932-1933) y el Art Students League (1933-1934). Fue uno de los originadores del estilo tipográfico internacional suizo

Desde adolescente, su trabajo ya mostraba una fuerza innovadora y vanguardística que no pasó desapercibida. Fue Director de Arte de “Esquire” (1935) y de “Apparel Arts” (1941) y de las portadas para el “Directions Cultural journal” entre 1938 y 1945. Rand fue incluido en el “New York Art Directors Club Hall of Fame” en 1972. Entre sus muchos premios se incluyen medallas de oro.

Rand se destacó en el diseño editorial. Fue también recordado, por uno de sus empleados como la persona con “peor genio en el mundo”. Rand puede presumir de la fama de ser un viejo gruñón que siempre critica o desprecia nuevas tendencias o conceptos en el diseño, derecho ganado gracias a que nunca cambió su postura o cuestionó la rectitud de su camino en cuanto al modernismo, y aun a pesar de las idas y vueltas que sufrió el diseño él jamás cambio.

Paul Rand más que ser un gruñón fue un revolucionario del diseño en Estados Unidos, gracias a su trabajo, que comenzado como un oficio, terminó como toda una profesión. Fue un gran defensor, líder y hasta inspiración del movimiento modernista, el cual era casi una religión para él. Un buen ejemplo a retratar es el siguiente: “Durante la ceremonia de su retrospectiva en el Cooper Union en octubre del 95 se le preguntó si el modernismo había muerto. Rand replicó:”Yo sigo vivo”.” –

Otra de sus frases célebres, es “Hay una gran diferencia entre diseño abstracto sin contenido y diseño abstracto con contenido. Se puede ser un gran manipulador de la forma, pero si la solución no es la más apta, no tiene sentido”. (1938, cuando describía las “tapas” o portadas, de la revista Direction)

Utilizando ésta simplicidad del modernismo, y con el uso geométrico limpio de espacio en blanco, creó algunas de las identidades corporativas estadounidenses más reconocibles, como IBM, Westinghouse, United Parcel Service, American Broadcasting Company (ABC) y el más reciente USSB (Servicio de Televisión por Satélite), reconocidos en todo el mundo.

Fue autor de varios libros sobre diseño. En 1935 creó su propio estudio en Nueva York y ya partir de 1956 se desempeñó como profesor de diseño gráfico en la Universidad de Yale en New Haven, Connecticut. Rand siguió el camino del diseño en gran parte hasta los noventa.

En 1984 le concedieron la medalla del “Type Director´s Club” presentándolo como a uno de quienes “han hecho contribuciones significativas a la vida, al arte, y al arte de la tipografía”.

“Él fue un canal a través del cual el arte y el diseño modernos europeos -Constructivismo ruso, De Stijl holandés y el alemán Bauhaus- fueron introducidos al arte comercial americano”. (cita textual profesada por Steven Héller en 1999). Con esto podemos ver que Rand exploró dentro del vocabulario formal, por así decirlo de los movimientos de vanguardia europeos.

Dio lugar a un estilo gráfico único que fue caracterizado, como ya mencionamos, por la simplicidad, y el acercamiento racional a las soluciones del problema. La influencia de las vanguardias europeas en su trabajo cambió el arte comercial norteamericano, creando los principios formales del viejo continente “con la gracia y el humor nativo”. Obviamente su “entrenamiento” en el arte comercial en New York hizo que comprendiera rápidamente lo que necesitaba el mercado, y así era como brindaba estas soluciones más adecuadas que las que ofrecía la “estética estándar” tan antifuncional que se solía utilizar.

Paul Rand definitivamente puede ser catalogado como es uno de los diseñadores más capaces. Fue pintor, conferencista, diseñador industrial y artista publicitario que puede plasmar su conocimiento y su creatividad sin límites. “Piensa en términos de necesidad y función.”

Segunda de las marcas con presentación definitiva de la firma Aymara. En este caso se trata de la marca comercial para el software de gestión de relaciones con el cliente (CRM o Customer Relationship Management) denominado LYRACRM: Customer Relationship Management.

LYRA es la denominación latina de un instrumento de cuerda muy antiguo y también muy apreciado que sonaba de maravilla al ser interpretado de manera correcta y que necesita gran coordinación, la coordinación y el concepto de instrumento es la denotación que intenta demostrar las utilidades de esta herramienta que combina a un complejo set de utilidades para el seguimiento y atención de los clientes…

Primera de las marcas con presentación definitiva de la firma Aymara. En este caso se trata de la marca comercial para el software de gestión de clubes y entidades sociales denominado ATYCLUB: member management.

ATY es un concepto proveniente del Guaraní que significa comunidad. Un concepto correcto para esta suite encargada de una cuestión social como es la administración de entidades atléticas, clubes, etc…

Estamos definiendo el nuevo portal de la empresa Red Bordó, donde articularemos tres grandes áreas como són: el sitio institucional, la intranet y gestión de usuarios y el catálogo para la compra online de productos.

Red Bordó es una red que posibilita un nuevo canal comecial en Argentina, permitiendo comprar y consumir artículos relacionados con el vino, bebidas y delicattesen estando en cualquier lugar del país. Dando lugar a un emprendimiento totalmente original e interesante, con el cuál venimos trabajando desde sus inicios.

Si observan el formato del sitio que se prevee, se busca la simpleza y la organización visual de los múltiples elementos a plasmar en la homepage (página principal). Se le dió una base modular, para poder hacer cambios y modificaciones de manera óptima y dando la posibilidad, en el futuro, de intercambiar los módulos dentro de la misma estructura. (que puede notarse visualmente en la segunda gráfica)

El objeto de todo esto es, como ya hemos dicho anteriormente, hacer posible (y rápido) manejar la gran cantidad de elementos que interactuan en el portal, tales como publicidad, ofertas e información.

El famoso logo de Nike denominado “Swoosh” (aquí conocido como “la pipa de Nike) es un diseño creado en 1971 por Carolyn Davidson, una estudiante de diseño gráfico en la Universidad Estatal de Portland. Ella se reunión con Phil Knight (Socio-fundador de Nike) mientras enseñaba contabilidad y comenzaba de manera independiente su propia compañía, a la cuál denominó Blue Ribbon Sports (BRS).

BRS necesitaba una nueva identidad para una nueva marca de calzado deportivo que pensaban presentar en 1972. Knight le pidió a Davidson algunas ideas de diseño, y acordaron que cobrando unos 2 dólares la hora, iba a proporcionar estas ideas.
En junio de 1971, Davidson le presentó a Knight y a otros ejecutivos de BRS algunas pruebas de diseño, los cuales eligieron y seleccionaron la marca que hoy se conoce a nivel mundial como el Swoosh. Davidson le presentó su factura por un total de 35 dólares por su trabajo (aunque en 1983, Knight le dio a Davidson un anillo de oro y un sobre lleno de acciones de acciones de Nike a manera de agradecimiento y bonificación por su trabajo realizado)

Y fue en junio de 1972 cuando las primeras zapatillas con el logo del Swoosh fueron presentadas al público en unos ensayos del equipo olímpico de atletismo en Eugene, Oregon, Estados Unidos.

This is a Spanish version of this article / Esta es una traducción del artículo: Great Moments in Brand Identity: The Nike Swoosh

Dentro de los elementos constituyentes de la identidad corporativa nos encontramos con: el color, el color es muchas veces dejado de lado y pocas veces pensado en profundidad. Es un elemento de suma importancia para la identidad, puesto que conjuntamente con el estilo morfológico en general: forma parte del marco de referencia para identificar una marca. La buena utilización del color otorga “pistas” al usuario y públicos de la marca para que su mente identifique y posicione la decodificación sobre un rumbo “pregrabado” en la memoria. El color es de los elementos visuales que más rápido se procesan mentalmente.

Esas pistas son esenciales para ir profundizando y ensanchando el surco donde guardamos el recuerdo/ficha mental de la marca y desde allí saltar al concepto, sentimiento e información relacionada a la misma: imagen de marca. Teniendo en cuenta el hecho de la identificación de las formas y colores y su sucesión: el color es de suma importancia psicológica puesto que genera sentimientos/efectos reales y demostrables de alegría, tristeza, paz, oscuridad, luz…

Siendo el tema del color muy rico y extenso, aquí explicaremos someramente sus características más sobresalientes relacionadas a la identidad corporativa.

El color como información

El color es sumamente informativo, al tener distintos grados de percepción y combinación, los colores en su contexto provocan y llaman la atención, generando puntos focales. Haciendo que el ojo se pose para la interpretación del mensaje, es una gran iniciante del proceso comunicacional.

En cuanto a las piezas gráficas en las cuales el color es fundamental se encuentran los avisos públicos, señales viales, sustancias peligrosas, señalética, partidos políticos, envases.

Hay diversos estilos gráficos donde la combinación de colores es fundamental para dotarlo de sus características fundamentales. Y otros donde el color no agrega/informa nada sobre los mismos.

El color como transmisor de emociones

Está demostrado que los colores y asociaciones son generadoras y partícipes del estado de ánimo de las personas. Según Pantone, desde el 2001 hasta la fecha en Estados Unidos se ha dado un notable consumo del color azul cielo provocado por su capacidad de dotar de paz y estabilidad a los diseños, todo esto acorde al nuevo gusto de los públicos luego de los atentados del 11 de septiembre.

La psicología del color es la encargada de estudiar y analizar esta problemática del color, observar las reacciones, aunque hay opiniones encontradas, en su núcleo son

El color como generador de accesibilidad

Dentro de la accesibilidad, el color es importante, porque puede identificar distintos productos, tamaños y variantes. Produciendo un menor esfuerzo en la identificación de los mismos. Estos casos no sólo se dan con personas con deficiencias visuales sino que lo utilizamos diariamente con los billetes, papeles, tickets, entradas, facturas…

El Color como indicador de lugar, tiempo y moda

El color al ser un gran identificador, es posible relacionarlo a épocas, modas, lugares. Como objeto cultural, generalmente estos conceptos se definen en combinación con 2 o más colores: modismos en el diseño, epocas, ideologías, subculturas, grupos humanos, regiones y lugares se definen por tener sus colores predominantes. Como ejemplo a esto tenemos la combinación de colores de la bandera de jamaica que ha sido transmitida y adoptada por el estilo musical reggae y el movimiento rastafari asociado a la misma…

Dentro de la Identidad Corporativa

Es posible utilizar estas características del color, para utilizarla en el desarrollo y aplicación de la identidad corporativa, un isologotipo por si mismo no es un elemento determinante de la identidad de una empresa, aunque importante, es sólo un eslabón. El color y la forma son el punto de entrada de los públicos para desentrañar e interpretar nuestro mensaje comunicacional, en este caso el mensaje es: la organización.

Soy creyente que la coherencia visual debe ser llevada hasta en los colores utilizados en la identidad corporativa, utilizando la psicología / teoría del color, es posible estudiar y seleccionar los colores acordes a una organización, para asociarla y potenciar su identidad, provocando las emociones correctas, parcializando a los públicos de acuerdo al gusto de color.

Para seguir aprendiendo sobre el color e información:

Uno de los sitios en castellano con mayor calidad y volumen de contenidos sobre visualización de la información es Infovis.net. Allí se encuentran artículos específicos sobre la interacción color / usuario, los cuales destacamos aquí:

• Color e información
• Color y emociones
• ¿Existe el color?
• La ecología del color

[...] “El diseñador da forma visual a las comunicaciones. Éste no es un acto simple, donde las opciones posibles pueden alinearse de la mejor a la peor. Los procesos de decisión en el diseño de comunicación visual se caracterizan por implicar muchas variables, y la información disponible acerca de ellas es siempre incompleta.

Los diseñadores siempre deben tratar de basar sus decisiones, tanto como sea posible, en información confiable y explicable, pero el proceso de dar forma siempre requiere un “salto al vacío”, de una serie de recomendaciones hasta la creación de una forma visual; es un proceso que precisa demasiadas decisiones para que puedan ser tomadas en una forma lineal y digitalmente controlada…

El análisis racional del problema, y la articulación verbal tanto del problema como de la acción propuesta, son elementos indispensables en la comunicación entre el diseñador y el cliente. En efecto, una de las tareas principales del diseñador en su relación con el cliente es crear una sensación de confianza, mediante el uso del lenguaje del cliente (que normalmente es verbal, no visual), y mediante un lenguaje que es culturalmente respetado (que es racional, no subjetivo). En consecuencia, la articulación verbal y racional del problema de diseño, comenzando por la definición del problema mismo, forma parte esencial el trabajo del diseñador.

Sin embargo, no todo es racionalidad, dado que el proceso de dar forma requiere intuición como complemento de la razón. No intuición en el sentido de usar lo primero que pasa por la mente, sino intuición como uso educado de las habilidades adquiridas a través de un esfuerzo sostenido de formación profesional, lo que resulta en la posibilidad de ejecutar velozmente decisiones y acciones cuyos pasos no siempre pueden ser seguidos en forma consciente. Pensar no solo es pensar lógicamente, ya que hay otros modos de pensar que son indispensables, sobre todo en tareas exploratorias. “Bohr nunca se fiaba de los razonamientos puramente formales o matemáticos. ‘No, no’, solía decir, ‘no estás pensando; estás solamente aplicando la lógica”

La intuición, de acuerdo con la definición dada más arriba, puede ejemplificarse con la de los violinistas, que no pueden concentrarse en cada detalle de los movimientos de sus dedos mientras tocan, sino que deben desarrollar su habilidad de intérpretes mediante una práctica sostenida. La intuición en el proceso de dar forma es la habilidad de tomar decisiones veloces e inteligentes entre la enorme cantidad de opciones posibles en un campo de dimensiones interactivas. Una decisión sobre el color, por ejemplo, automáticamente implica tono, saturación, calidad de superficie, material de producción, significado y tono emotivo, y se requieren rápidos y eficaces procesos intelectuales para realizarla en forma adecuada.

El uso de enfoques sistemáticos para definir el contenido y la forma de un mensaje no necesariamente lleva a resultados aburridos y culturalmente no interesantes. Mientras que el arte europeo en la Edad Media y el Renacimiento estaba, en esencia, ligado a la promoción de las ideas de la Iglesia, las pinturas de la capilla sextina o de la Basílica de San Francisco de Asís no fueron el resultado de una investigación de mercado o del dictado del Papa sino que, además de cumplir con su objetivo específico religioso buscado, los frescos crearon nuevas dimensiones en el terreno del arte, la cultura y la vida. De la misma manera, el proceso de dar forma en diseño requiere algo más que la observación de las recomendaciones de la investigación social y de mercado: entra en el terreno del arte, en el sentido de que es un acto creativo que va más allá de la aplicación mecánica de información. Desde el punto de vista metodológico, la dificultad de la tarea del diseñador gráfico reside en el hecho de que un cuerpo genérico de conocimientos debe ser aplicado a situaciones específicas de experiencia humana. “Pienso que la buena planificación [en arquitectura] es tanto una ciencia como un arte. Como ciencia, analiza relaciones humanas; como arte, coordina actividades humanas en síntesis culturales.”(Gropius)

Debe recordarse que la investigación de mercado es una técnica de “espejo retrovisor”, mientras que el diseño es una disciplina proyectual. Diseñar es prever, programar, planificar acciones futuras y crear cosas que aún no existen. No es posible entonces, preguntarle al público lo que piensa de esas cosas, dado que no puede ni siquiera imaginarlas. (Los enemigos del marketing dicen que, cuando el presidente de Sony propuso el desarrollo del Sony Walkman, sus expertos en marketing le aconsejaron no implementar su idea, argumentando, entre otras cosas, que ninguna persona querría comprar un grabador que no grababa, sino que era sólo para escuchar.)”

[...]

Jorge Frascara, Diseño Gráfico para la Gente, comunicaciones de masa y cambio social. Ediciones Infinito. ISBN 987-96370-2-x

Parte del desarrollo (muy preliminar) del manual pueden consultarlo en www.chgvisual.com/lavila

La complejidad de esta identidad está en respetar elementos anteriores y en poner de acuerdo a más de 60 comercios distribuidos en un casco urbano. Otorgarles una identidad que los amalgame, que los represente y los identifique ante los públicos. Pero sin perder la estética propia de cada comercio u organización de La Vila…

He aquí algunos montajes de las banderolas que decorarán la zona, delimitandola e indicando las actividades conjuntas del centro comercial

El diseño de esta identidad corporativa es muy amplio, como ya se dijo, y está dividido en dos puntos de vista, las comunicaciones internas y las comunicaciones externas. Las primeras enfocadas en comunicar, en establecer la pauta de la identidad y lograr unificar y respetar la marca (digamos, un poco más seria) y una hacia fuera, la externa, donde se juega y se impacta visualmente a los públicos mediante la utilización de múltiples elementos que intervienen en el ambiente y les informan sobre las actividades de La Vila.